Mostrar una lista de las mejores obras del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York no es algo fácil. Y es que el museo está especializado en el arte estadounidense del siglo XX y XXI, y posee nada menos que una colección permanente con más de 21.000 obras.
En este post nos vamos a centrar en las mejores obras del Whitney Museum of American Art, pero en el ámbito de cuadros, no entraremos a valorar otro tipo de obras. Simplemente os mostraremos los mejores lienzos o cuadros del Museo Whitney de Arte Estadounidense de New York.
Índice
Museo Whitney de Arte Estadounidense de NY para torpes – curiosidades e historia
Vamos a ver algunos de los datos más interesantes del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York, varias de las curiosidades que debes conocer:
Datos prácticos e información para visitar el Museo Whitney de Arte Estadounidense de NY
Os dejamos algunos datos que os van a ir bien para visitar el mejores obras del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York, me refiero a horarios y precios.
Horario del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York
El Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York abre al público con los siguientes horarios:
- lunes, miércoles, jueves, sábado y domingo, de 10:30 a 18:00 horas.
- Viernes, de 10:30 a 22:00 horas.
- Cerrado: todos los martes, día de Acción de Gracias, 25 de diciembre y 1 de enero.
Precio del Whitney Museum of American Art y cuando es gratis
El precio de la entrada son 25$. viernes de 19 a 22 horas casi gratis, o más bien, modalidad paga cuanto quieras (debes reservar entrada a través de la web). Entrada reducida : 18$ (estudiantes, jubilados y visitantes con discapacidades). Gratuito menores de 18 años y con la New York Pass, la New York Explorer Pass, la Sightseeing pass de NY y la New York CityPASS.
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TOP 11 mejores obras del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York
El museo Whitney tiene una colección distribuida en 8 plantas, destacando las obras en los pisos 5 al 8 en orden cronológico. Las galerías son amplias y agradables para pasear incluso en días concurridos.
Se recomienda empezar la visita en el octavo piso y descender gradualmente utilizando las escaleras o los ascensores diseñados por Richard Artschwager.
La colección del Whitney Museum of American Art se centra en arte moderno y contemporáneo, con artistas reconocidos como Hopper, O’Keeffe, Warhol, Pollock y Haring, pero también ofrece la oportunidad de descubrir artistas emergentes.
La elección de las 11 obras más destacadas del MoMA es subjetiva, ya que depende de los gustos y perspectivas individuales. Como se suele decir, para gustos los colores, especialmente cuando se trata de una lista de pinturas 🙂
No obstante, considerando su importancia histórica y artística, así como su influencia en el mundo del arte, hemos seleccionado las siguientes obras. Las presentamos en orden cronológico según su fecha de creación:
- Pintura número 5, de Marsden Hartley (1914-5).
- Music, Pink and Blue N. 2, de Georgia O’Keeffe (1918).
- Dempsey and Firpo, George Bellows, (1924).
- Early Sunday Morning, de Edward Hopper (1930).
- Summer Days, de Georgia O’Keeffe (1936).
- The Brooklyn Bridge, de George Stella (1939).
- The Subway, George Tooker, (1950).
- Three Flags, de Jasper Johns (1958).
- Four Darks in Red, de Mark Rothko (1958).
- A Woman in the Sun, de Edward Hopper (1961).
- Andy Warhol, Alice Neel, (1970).
Painting, Number 5
Marsden Hartley creó "Painting, Number 5" durante su estancia en Berlín. Esta obra forma parte de la serie "Motivos de Guerra" y muestra fragmentos de banderas, medallas y estandartes militares. Hartley estaba fascinado por la vida militar en la Alemania imperial, pero la Primera Guerra Mundial y la muerte de su amado Karl von Freyburg lo afectaron profundamente.
La pintura combina elementos del cubismo y el expresionismo alemán, representando un retrato simbólico de su amigo caído. Incluye una medalla de la Cruz de Hierro, charreteras, botones de uniforme y un tablero de ajedrez, junto con el número ocho como símbolo de trascendencia.
Music, Pink and Blue N. 2
Para muchos artistas vanguardistas del siglo XX, la música era un modelo para expresar estados emocionales y sensaciones sin palabras. A Georgia O’Keeffe le fascinaba la idea de que la música pudiera ser traducida visualmente, pero también creía que el arte visual, al igual que la música, podía transmitir emociones poderosas más allá de la representación.
En su obra "Música – Rosa y Azul II", las formas que crecen y se ondulan sugieren una conexión entre lo visual y lo auditivo, evocando los ritmos y armonías que O’Keeffe percibía en la naturaleza.
Dempsey and Firpo
En este lienzo se representa el combate entre Jack Dempsey y Luis Ángel Firpo en 1923 en el Polo Grounds de Nueva York. Firpo, considerado el retador menos favorable, fue derribado siete veces en el primer asalto.
Sin embargo, sorprendentemente, Firpo logró golpear a Dempsey y enviarlo fuera del ring. La pintura captura ese momento épico, mostrando a los dos boxeadores en una composición simétrica y dinámica.
El artista, Bellows, perteneciente a la Escuela Ashcan, fue asignado para hacer bocetos del combate. A pesar de la caída, Dempsey se recuperó y ganó el combate en el segundo asalto.
La obra destaca por su esquema de composición tipo friso y la representación de la fuerza y el movimiento en los cuerpos de los boxeadores.
Early Sunday Morning
"Early Sunday Morning" es una pintura icónica de Edward Hopper que representa una calle de Nueva York en la mañana temprano. Hopper simplifica la escena, eliminando detalles y reduciéndola a formas esenciales.
No se puede leer la letra en los letreros de las tiendas, y la presencia humana se sugiere mediante cortinas en las ventanas de los apartamentos. El contraste de luces y sombras, junto con la composición vertical y horizontal, crea una atmósfera teatral de edificios vacíos.
Aunque Hopper es conocido como un realista, su enfoque se basa en formas simplificadas y composiciones cuidadosamente construidas. La pintura muestra una franja de cielo azul sobre los edificios y una acera con un hidrante y un poste de barbero.
La ausencia de personas y la luz del sol indican que es domingo por la mañana. En general, la obra refleja la habilidad de Hopper para capturar la soledad y la belleza de los espacios urbanos.
Summer Days
Georgia O’Keeffe encontró una profunda conexión y afinidad con el paisaje y la naturaleza del suroeste de Estados Unidos, particularmente en Nuevo México. A través de su arte, O’Keeffe buscaba capturar la belleza y la vitalidad que encontraba en su entorno, utilizando elementos como huesos y flores silvestres para representar formas y símbolos que le complacían.
Su enfoque artístico se basaba en la observación directa y la simplicidad, evitando la necesidad de explicar sus obras, ya que para ella eran registros visuales de lo que veía y experimentaba. La naturaleza única de Nuevo México, con su cielo, estrellas y viento distintivos, dejó una profunda impresión en O’Keeffe y se convirtió en su hogar creativo.
The Brooklyn Bridge
Joseph Stella, un inmigrante italiano que llegó a Nueva York a los diecinueve años, encontró en la ciudad un poder frenético y revolucionario. El Puente de Brooklyn se convirtió en su monumento tecnológico contemporáneo favorito, que representó a lo largo de su carrera.
Stella retrató el puente con una dinámica lineal del Futurismo italiano, mostrando su impresionante altura y escala desde diferentes perspectivas. La obra, de gran tamaño, evoca un altar renacentista y los arcos apuntados remiten a las iglesias medievales.
Stella transformó el puente en un símbolo divino del siglo XX, representando la vida moderna y la Era de la Máquina mediante la combinación de arquitectura contemporánea y alusiones históricas.
The Subway
El Subway es una conocida pintura figurativa de George Tooker en respuesta a las injusticias y aislamiento social de la sociedad urbana de posguerra. En la obra, se representa un mundo imaginario en un entorno urbano familiar, utilizando múltiples puntos de fuga y modelado sofisticado.
Los personajes, andróginos y llenos de ansiedad, parecen psicológicamente alienados a pesar de su proximidad física en la estación. El grupo central de pasajeros está atrapado en una rejilla de sombras proyectadas por las rejas de metal, mientras los pasajes laberínticos parecen no llevar a ningún destino, creando una sensación de purgatorio moderno.
Tooker eligió Subway como escenario para representar una negación de los sentidos y de la vida misma.
Three Flags
En 1954, Jasper Johns comenzó a pintar la bandera estadounidense, convirtiéndose en uno de sus emblemas característicos. A través de la obra "Three Flags", Johns desafía la perspectiva clásica y enfoca la atención en la superficie pictórica y la estructura del lienzo.
Mediante el uso de encáustica, crea una superficie sensual y escultórica con marcas discretas acumuladas. Las tres banderas disminuyen en escala sucesivamente y se proyectan hacia afuera, explorando el límite entre la abstracción y la representación.
Johns busca ir más allá del significado emblemático de la bandera y explora diferentes espacios de lienzo. Esta pintura invita a una inspección detallada y revela el proceso de creación de Johns.
Four Darks in Red
"Four Darks in Red" ejemplifica la paleta más oscura de Mark Rothko en la década de 1950. En esta obra, predominan cuatro áreas rectangulares de diferentes proporciones sobre un fondo rojo luminoso.
La superposición de múltiples capas de pintura y las cualidades reflectantes de sus colores crean una profundidad única en sus obras. Observar de cerca este lienzo de gran tamaño sumerge al espectador en una atmósfera de color y sensaciones visuales intensas.
El color oscuro en la parte superior del lienzo contrasta con un suave resplandor rosado en la parte inferior, generando una inversión visual de la gravedad. Rothko creía que estas fuerzas perceptuales abstractas podían evocar emociones básicas como la tragedia, el éxtasis y la condena.
A Woman in the Sun
A medida que Edward Hopper maduraba, omitía más detalles visuales en sus pinturas y se centraba en la realidad psicológica de sus sujetos. En "A Woman in the Sun", una mujer desnuda se encuentra bajo una luz oblicua proveniente de una ventana cercana.
La habitación se simplifica a sus elementos arquitectónicos básicos. Los pocos detalles que permanecen, como unos zapatos negros, los postes de la cama y una pintura indefinida en la pared, acentúan la desnudez de la escena.
El entorno voyeurista y cinematográfico sugiere una narrativa, invitando al espectador a imaginar los eventos previos y lo que sucederá después. La esposa de Hopper, Josephine Nivison Hopper, fue la modelo para esta figura, aunque Hopper la transformó según su visión interna en lugar de adherirse a los detalles realistas.
Andy Warhol – Última de nuestras TOP mejores obras del museo Whitney
Apodada "coleccionista de almas", Alice Neel retrató a una amplia variedad de modelos, incluyendo al reconocido artista pop Andy Warhol. En este retrato, Neel captura la vulnerabilidad de un artista conocido por su distanciamiento frío.
Representa a Warhol con los ojos cerrados y sin camisa, mostrando su torso pálido y cicatrizado, así como el corsé que debía usar tras ser herido. El lienzo se limita a tonos fríos, destacando la delicada figura de Warhol.
El fondo es simple, resaltando la "economía hipersensible" de la imagen. Neel muestra a Warhol como alguien aislado, herido y retraído, revelando un lado inesperado y profundo de este famoso artista.
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Más consejos para visitar las mejores obras del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York
Como siempre, no dejes de visitar la página de Google Arts and Culture del Guggenheim.
Esperamos que os haya gustado el post de las mejores obras del Museo Whitney de Arte Estadounidense de Nueva York. Si es así os pedimos que lo valoréis con las estrellas 🙂 Para más consejos de Nueva York mirad en este menú
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Soy Hector, licenciado en Historia que cuenta historias de viajes. 99 países en la mochila. Experto Profesional en Cultura, Civilización y Religión islámica y Especialista Universitario en el Perfil Histórico de los Contenciosos en Oriente Próximo.
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